이상원

권용래 작가는 자신의 경험을 예술로 승화시키는 작업을 한다. <내면과 외면 ‘사이’의 직관적 표현에 관한 연구(1992)>를 시작으로 스테인리스 스틸 조각을 활용한 회화와 부조를 융합한 작업을 2004년부터 이어오고 있다. 그의 대표작 시리즈는 그간의 과정을 보여주기에 충분하다. 작가는 어둑한 작업실의 구석에 쬐던 광선이 사물을 비추는 순간, 17세기 빛의 화가 렘브란트를 떠올린 후 캔버스 화면 위를 빛으로 물들이고 있다.

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권용래는 자신의 작품은 ‘빛’이라 언급한다. 하나의 작품을 완성하기 위해 빛을 도입하는 것이 아니라 그 자체가 재료이자 기법이며 표현이고, 빛을 그려내는 것이 아닌 화면 위에 그것이 머물 수 있도록 자리를 마련하는 것이라 한다. 그는 조형적 아름다움을 세밀하게 쫓기 위해 수십, 수백 개의 스테인리스 스틸 유닛(unit)을 해머링 하여 평평한 표면을 구부러뜨리는 작업을 한 후 안료를 안착, 캔버스 위 평면적인 공간에 고정하고 조명을 비춘다. 이때 스틸의 차가운 조각들은 아이러니하게도 빛을 만나는 순간 따뜻한 봄의 물결을 연상시키듯 각양각색의 빛을 내뿜으며 하얀 캔버스 화면 위에서 황홀한 환상을 보여준다. 텅 비어있던 화면 위에 오묘하고 신비로운 일루젼, ‘빛의 변주’가 나타나는 순간이다.

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굴곡진 스틸 조각은 마치 음식을 담는 그릇처럼 화면 위에 모여있다. 한군데 모아진 그릇들은 군집이 되어 빛의 산란을 이루며 보는 이에게 신비로운 오로라를 선사한다. 이 군집은 반짝이는 강이 되기도, 때로는 바다가 되기도 하고, 뜨거운 여름 낮의 태양이 되기도 한다. 조명이 꺼진 상태에서는 자연의 은은한 반짝임을, 조명을 비출 때는 단적인 회화로는 표현할 수 없는 희열과 화선지 위의 먹이 발묵하듯 일획의 농염한 유닛들이 그어진다. 

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Kwon Yong Rae works to sublimate his experiences into art. Starting with <The Study on the Intuitive Expression Between the Inner and Outer(1992)>, his works have been continued since 2004, using stainless steel, fusing paintings and sculptings. Kwon's signature series is enough to show the whole process so far. The moment the light illuminates the object in the dark studio, he paints the canvas with the light after recalling Rembrandt, who's known as the painter of light in 17th century.

Kwon refers to his work as 'light'. He says that light is not introduced to complete a work, but itself is a material, technique, and expression, and it is not to paint the light, but to make a place for it to stay on the canvas. He hammers dozens or hundreds of stainless steel units and bend the flat surface, then settles the pigment, fixes them on the canvas, and illuminates them. Ironically, the cold looking pieces of steel emit various lights as soon as they meet the light, which make you think of a warm spring wave, showing an ecstatic fantasy on the white canvas. This is the moment when the subtle and mysterious 'illusion of light' appears.

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The curved pieces of steel are gathered on the screen like bowls for food. The bowls gathered in one place become clusters, scattering light, and giving the viewer a mysterious aurora. This colony can be a sparkling river, sometimes the ocean, or the sun on a hot summer day. When the lights are off, the subtle glitter of nature is drawn, and when the lights are illuminated, the joy that cannot be expressed by a simple painting arise.

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어둑한 작업실의 한 구석에서 창문을 통해 들어오는 광선이 사물을 비추는 순간, 17세기 화가 렘브란트는 그윽한 존재감에 몸부림 쳤을 것이다. 기원전 15000전 알타미라나 라스코의 동굴에 비친 희미한 광선으로부터, 빛이 너무 좋아서 이젤을 들고 저 찬란한 태양빛 속으로 뛰려나갔던 모네, 이글거리는 대지며 밤하늘의 별들, 해바라기와 들판의 향나무, 자신의 얼굴조차 불꽃으로 일렁이게 했던 고흐를 지나 현재에 이르는 미술은 빛의 역사가 아니었는가?

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나의 작품은 빛이다. 작품을 완성하기 위해 빛을 도입하는 것이 아니라 빛 그 자체가 재료이자 기법이며 표현이다. 빛을 그려내는 것이 아니라 빛이 머물 수 있도록 하는 것이다. 인간은 하나의 빛이다. 그들의 문화도, 그들이 이루어나가는 역사도 또 그들이 영위하는 삶도 빛인 것이다.
빛은 사물에 앞서는 것이다.
<작가노트> 중에서

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When a beam of light shined through a window in the corner of his dark studio, the 17th century artist Rembrandt probably shook in awe. From the subtle light beam in the 15000B.C. Paleolithic cave art in Altamira Cave, to Monet who loved light so much to the extent he ran to the glorious sunlight with his canvasses, to the starts that brighten the sky, sunflowers and fields of juniper trees, to Gogh who took fire even to his own face … are not these artworks all part of the history of light?

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My art is light. I don’t use light as a means for my light; the light itself is the essence and expression. I don’t try to represent light, but I try to house it. Human is a light of its own. The humanity—its culture, history, and life—are light.
Light leads, and objects follow.
from the <Artist's Note>