김 태 호 Kim Tae Ho

Internal Rhythm

Internal Rhythm

Internal Rhythm 2010-70, 100.6x81.2cm , Acrylic on canvas, 2010

Internal Rhythm 2018-34

Internal Rhythm 2018-34

66.5x54.2cm, Acrylic on canvas, 2018

Internal Rhythm 2017-41

Internal Rhythm 2017-41

101x81cm , Acrylic on canvas, 2017

Internal Rhythm 2011-51

Internal Rhythm 2011-51

92.5x74.5cm, Acrylic on canvas, 2011

Internal Rhythm 202204

Internal Rhythm 202204

54.3x46.5cm, Acrylic on canvas, 2022

작품 ‘내재율’시리즈는 회화의 본질에 대한 부단한 인식과 연구로부터 시작한다. 회화가 갖고 있는 본연의 의미를 손상하는 일 없이, 회화 자체의 자율성에 더 커다란 비중을 두고 있는 것이다. 순수회화는 색채와 형태를 사용하는 조형적인 작업으로 평면성을 띄고 있는바, 이러한 회화의 평면성으로부터 일련의 예술적 자율성을 추구하는 것으로 이루어진다. 

 

구체적으로, 작품 “내재율”은 언뜻 단일색면(單一色面) 으로 보이는 표면의 하층에 여러 겹으로 물감을 칠한 후에, 예술적인 상징과 코드를 통해서 이미지를 암시하는 선들로 깎아 내려 졌다. 여기서 드러나는 단일색면은 단지 표면상의 모습이며, 실제 표면 및 그 하층에는 겹겹으로 집적된 수많은 색들의 층이 존재한다. 화면 위에 보여지는 무수한 선들, 즉 기호는 단지 ‘그려진’ 것이 아니라, 인내를 더하여, 예리한 끌칼로 색층을 강하게 ‘깎아내는’ 과정을 거친 결과, 작품의 색층으로부터 스스로 나타난 선이다. 스스로의 드러남이 지우고 거르는 행위에 의해 완성되는 역설에 기반하고 있는 셈이다.

 

마치 정상으로 올린 돌을 다시 굴려 내리는 시지프스의 행위와 같이, 끊임없이 캔버스 위에 물감을 덧칠하고 다시 깎아내는 작업은 영속적인 반복의 예술인 것이다. 행위의 반복은 생성과 소멸이 한 화면에 동시적으로 일어나는, 그 자체로 동양적인 순환의 정신을 담고 있다.

 

작품은 색과 색의 중첩에 의해 드러나는 미묘한 색가(色價)를 중요시하면서 붓에 의한 스트로크의 중복이 균일한 화면을 구성하고 있다. 즉 유기적인 형식의 선과 형태, 색채 등의 조형적인 요소들이 점진적으로 평면 속으로 융화되어 가는 것이다. 그리고 이러한 작업은 지층의 변화와 유사한 색층의 가시화를 통해 평면에 새로운 가치를 부여하고, 다른 한편 그 예술작업의 과정에서 드러나는 생성과 소멸과 같은 자연성을 내재함으로써, 회화에 물성과 정신성을 유기적으로 조화시키고 있다.

 

전체적으로는 모노크롬의 단색조로 뒤덮인 공간이지만 깎아낸 면에서 발하는 선들의 미묘한 흐름과 관계들을 보면 안팎의 사뭇 다른 분위기를 느낄 수 있다.‘Internal Rhythm’이라 칭하고 내면의 심상을 주로 나타내고 있다. 이것은 작가 자신의 내적 공간에 대한 표현일 수도 있지만 감상자 각자 자신의 심상을 느낄 수 있는 기회를 제공하기도 한다.   

The series of "Internal Rhythm" begins with constant awareness and research on the nature of painting. Without damaging the original meaning of painting, it puts greater weight on the autonomy of painting itself. Pure painting is a formative work that uses color and form, and it is composed of pursuing a series of artistic autonomy from the flatness of painting. 

Specifically, the work "Internal Rhythm" was painted several layers on the lower layer of the surface, which at first glance appeared to be a monochromatic surface, and then cut down to lines suggesting images through artistic symbols and codes. The single color surface revealed here is only a surface appearance, and there are numerous layers of colors stacked in layers on the actual surface. The countless lines shown on the screen, or symbols are not just 'drawn', but are lines that appear themselves from the color layers of the work, as a result of the process of strongly 'cutting' the color layer with a sharp chisel, adding patience. It is based on a paradox completed by the exposure constantly erasing and filtering.

Like Sisyphus's act of rolling back the stones that were raised to the top, constantly painting and re-cutting the paint on the canvas is an art of perpetual repetition. The repetition of the act contains the spirit of oriental circulation in itself, where creation and destruction occur simultaneously.

The work emphasizes the subtle color value revealed by the overlap of colors and and the overlapping of strokes by the brush. In other words, formative elements such as lines, shapes, and colors in organic forms gradually converge into the plane. And this work gives new value to the plane through visualization of the color layer similar to the change in the stratum, while organically harmonizing physicality and spirituality in painting by embedding naturalness such as creation and extinction revealed in the process of the art work.

Overall, it is a space covered with monochrome monochrome, but looking at the subtle flow and relationships of lines emitted from the shaved surface, you can feel a quite different atmosphere inside and outside. It is called 'Internal Rhythm' and mainly represents the inner state of mind. This may be an expression of the artists's own inner space, but it also provides an opportunity for all the viewers to feel their feelings.